Introducción al arte del siglo XX

1.INTRODUCCIÓN 

El arte del siglo XX cambió bastante en comparación con lo que vimos anteriormente en la historia del arte. En este periodo surgieron movimientos artísticos nuevos que rompían con las formas tradicionales de representar la realidad y exploraban nuevas ideas sobre cómo mostrar el mundo y las diferentes emociones. El arte dejó de ser solo una imitación de la realidad y se convirtió en una forma de expresión libre y personal.

En la clase teórica, vimos cómo estos cambios están relacionados con lo que vimos anteriormente en la historia del arte. El arte del siglo XX supone una ruptura con la tradición académica y una búsqueda constante de nuevos lenguajes artísticos. Ademásr, el modernismo defendía la necesidad de innovar y experimentar, alejándose de los modelos clásicos y proponiendo nuevas formas de entender la creación artística.

2.DESARROLLO

Personalmente, el arte del siglo XX me parece muy interesante, ya que, no pretende ser perfecto sino que cada artista decide cómo expresar lo que siente o piensa y esto hace que cada obra sea única. Creo que este periodo nos ayuda a entender que el arte no es solo técnica, sino también es emoción, pensamiento y crítica social.

Algunas de las teorías apoyadas en clase fueron “Pablo Picasso y Wassily Kandinsky” . 

Con Pablo Picasso se mencionó el Cubismo, que proponía representar los objetos desde varios puntos de vista al mismo tiempo, rompiendo la perspectiva tradicional y fragmentando las formas. Este movimiento muestra cómo el arte cuestiona la manera de mirar la realidad. Desde mi punto de vista, yo considero que esta forma de representar el arte obliga al espectador a pensar más y a reconstruir la imagen mentalmente. No se trata de copiar lo que vemos sino de interpretarlo.

También vimos el papel del Expresionismo y la importancia de Kandinsky, quien defendía que el arte debía expresar la vida interior del artista. Para él, el color y la forma tenían un valor emocional y espiritual propio, independientemente de representar objetos reales. Personalmente, estoy  de acuerdo con esta idea porque creo que en la educación primaria es muy importante que el alumnado pueda expresar sus emociones a través del arte, sin centrarse únicamente en que el dibujo sea realista o “correcto”.

Desde mi punto de vista defiendo a los siguientes: “Clement Greenberg y Herbert Read”

Greenberg defendía que el arte moderno debía centrarse en las cualidades propias de cada disciplina artística, como el color, la forma o la superficie en la pintura, sin intentar imitar otras artes. Esta idea refuerza la autonomía del arte y su evolución hacia la abstracción. He de decir, que aunque me parece interesante su planteamiento, creo que a veces puede limitar la interpretación si se entiende de forma demasiado estricta. El arte también puede dialogar con otras disciplinas.

Herbert Read defendía la importancia del arte en la educación como medio para el desarrollo integral del niño, fomentando la creatividad y la sensibilidad estética. Para él, el arte no era solo una técnica, sino una forma de crecimiento personal.Sinceramente, estoy más de acuerdo con esta postura porque conecta directamente con nuestra formación como futuras maestras. El arte en primaria no debe centrarse únicamente en resultados, sino en el proceso creativo y en la expresión personal del alumnado.

3.CONCLUSIÓN 

El arte del siglo XX supuso una gran transformación en la historia del arte, ya que rompió con las normas tradicionales y abrió paso a nuevas formas de expresión. Movimientos como el Cubismo y el Expresionismo muestran que el arte puede transmitir ideas, emociones y diferentes maneras de entender la realidad.

Como futura maestra de Educación Primaria, considero que este periodo es especialmente importante porque nos enseña que no existe una única forma correcta de crear. El arte debe ser un espacio de libertad, experimentación y expresión personal dentro del aula.

4.BIBLIOGRAFÍA 

Álvarez Díaz, I. (2022, 17 de noviembre). Clement Greenberg: El crítico del expresionismo abstracto. Habla de Arte. https://www.habladearte.com/post/clement-greenberg-el-cr%C3%ADtico-del-expresionismo-abstracto

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. (s. f.). Tensión suave n.º 85: Wassily Kandinsky (1923). https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/kandinsky-wassily/tension-suave-no-85

Santos, M. C. (2016, 27 de septiembre). Pablo Picasso. Historia-Arte. https://historia-arte.com/artistas/pablo-picasso

Universidad de Salamanca. (s. f.). Introducción al arte del siglo XX [Documento PDF]. Studium25. https://studium25.usal.es/pluginfile.php/749926/mod_resource/content/2/C_09_Introducción%20al%20arte%20del%20siglo%20XX_LB.pdf

Wikipedia. (s. f.). Herbert Read. https://es.wikipedia.org/wiki/Herbert_Read

RTVE. (10 de mayo de 2022). Las diez obras de arte del siglo XX más caras. RTVE Noticias. https://www.rtve.es/noticias/20220510/obras-arte-caras-siglo-xx/2347293.shtml

Expresiones corporales en tiempo limitado

 

1.INTRODUCCIÓN 

La expresión plástica es una parte importante dentro de Educación Primaria, ya que permite al alumnado expresarse, comunicar ideas y fomentar su creatividad. Mediante el dibujo de la figura humana y expresiones corporales se fomenta la observación y el movimiento como medio de comunicación visual.

En esta práctica, se trabajó la representación de diferentes tipos de expresiones corporales de la figura humana, poniendo énfasis en aquellas formas creativas y diferentes. El objetivo principal fue aprender a dibujar el cuerpo humano de forma rápida y expresiva, sin miedo al error y disfrutando mediante la pintura.

2.PUESTA EN PRÁCTICA 

El desarrollo de la clase práctica consistió en realizar dibujos de expresiones corporales utilizando algunos materiales de la clase como ceras blandas, folios A3, lápices…Al comienzo de la sesión, dibujamos todos siguiendo las indicaciones del profesor, lo que nos ayudó a ir entendiendo poco a poco los primeros trazos y cómo representar el cuerpo de forma esquemática.

A medida que avanzaba la actividad, el nivel de dificultad iba aumentando.Cada vez teníamos menos tiempo para realizar el dibujo, no contábamos con la ayuda del profesor, las posturas eran más complejas…Esto nos obligaba a trabajar de forma más rápida, menos precisa y con unos trazos más rápidos y sueltos.Debido a ello, no dibujamos trazos perfectos por lo que la figura era menos trabajada y solamente centrada en aspectos como la postura del dibujo y algunos elementos expresivos.

 En la última parte de la práctica, el reto fue dibujar un cuerpo en menos de 30 segundos con el uso de una cera de color colocada de lado.Esto, provocó un dibujo con trazos mas aleatorios, menos precisos aún y más expresivos para poder lograr entender el dibujo.

Debo decir, que durante la sesión de este día, el ambiente fue muy dinámico, expresivo y participativo, lo que hizo que la actividad fuera motivadora y entretenida.

3.LO QUE EL ARTE ME ENSEÑÓ

En resumen, la actividad se ha basado en la realización de dibujos expresivos de la figura humana en movimiento mediante la utilización de ceras blandas y con tiempos limitados.A través de esta actividad trabajamos varios aspectos importantes como la observación, la proporción del cuerpo, localización de las articulaciones, la expresividad del trazo….priorizando siempre la libertad de expresión y que el proceso sea creativo y divertido.

Desde mi punto de vista, la clase me ha parecido muy interesante y guay. Me lo he pasado súper bien, ya que además de aprender a realizar trazos correctamente y a dibujar siguiendo al profesor y a una imagen, he aprendido a representar el cuerpo humano con distintas proporciones y de una forma más libre y creativa.Además, también me ha gustado mucho el ambiente de la clase, ya que he disfrutado de la actividad junto con mis amigas y ha hecho que el tiempo se me pasara volando. En general, me ha parecido una práctica muy entretenida y motivadora.

En Educación Primaria, desarrollaría esta actividad de una forma adaptada a la edad del alumnado, utilizando posturas sencillas y proponiéndole como un juego. Trabajaría con música para acompañar el movimiento y usaría materiales fáciles de manejar, como ceras o rotuladores gruesos.

El objetivo principal sería que los niños y niñas se expresen libremente, disfruten del dibujo y pierdan el miedo a equivocarse. Más que buscar dibujos perfectos, se fomentaría la creatividad, la observación del cuerpo humano y la expresión de emociones a través del movimiento y el trazo.

4.BIBLIOGRAFÍA 

Barrero, L. (s. f.). Expresiones corporales [Documento PDF]. Material docente. https://studium25.usal.es/pluginfile.php/749956/mod_resource/content/3/02_TAREA_02_Expresiones%20corporales.pdf

El dibujo infantil

1.INTRODUCCIÓN

El dibujo infantil es una de las primeras formas de comunicación del niño. Antes de dominar el lenguaje verbal, utiliza el grafismo para expresar pensamientos, emociones y experiencias. Por ello, en educación artística no debemos valorar si dibuja bien o mal, sino intentar comprender qué significa lo que representa. La expresión plástica no busca formar artistas, sino favorecer el desarrollo integral del alumnado.

El llamado arte infantil constituye el lenguaje del pensamiento del niño: mediante él comunica su mundo interior y su comprensión de la realidad. El niño no dibuja lo que ve, sino lo que sabe. Por ejemplo, puede representar una casa abierta porque intenta mostrar su interior; no pretende realismo visual sino significado simbólico. El dibujo se convierte así en un indicador del desarrollo cognitivo, emocional y perceptivo.

Este proceso evoluciona a través de etapas o estadios. Sin embargo, estas fases no son rígidas ni dependen exclusivamente de la edad, sino del ritmo madurativo de cada alumno. En un mismo curso pueden encontrarse niños en fases diferentes, por lo que el docente debe conocer todas las etapas para interpretar correctamente los dibujos.

Autores como Viktor Lowenfeld y Jean Piaget consideran que el dibujo refleja el desarrollo mental y la capacidad simbólica. A medida que el niño madura, sus representaciones pasan de ser motoras a ser intencionales y organizadas.

2. DESARROLLO

Interpretación del dibujo infantil

El docente debe observar el dibujo como si fuera un lenguaje. Para interpretarlo hay que atender a distintos aspectos:

1. Modo de sujetar el lápiz (desarrollo motor)
2. Colores utilizados
3. Intensidad del trazo
4. Tema representado
5. Ocupación del espacio
6. Postura corporal al dibujar
7. Presencia de tachaduras o borrones

Por ejemplo, ocupar poco espacio puede relacionarse con inseguridad; un trazo fuerte puede reflejar tensión; el uso de colores irreales no es un error, sino una expresión emocional. El objetivo no es diagnosticar clínicamente, sino comprender el proceso evolutivo.

Etapas del dibujo infantil según Lowenfeld

1. Garabateo (2-4 años)
El niño empieza moviendo el lápiz sin control y poco a poco coordina mejor la mano.
Al final ya dibuja con intención, aunque solo él sabe qué representa.

2. Etapa preesquemática (4-7 años)
Aparece la figura humana tipo “renacuajo” (cabeza con patas/brazos).
Dibuja lo que sabe de las cosas, no lo que ve realmente.

3. Etapa esquemática (7-9 años)
Línea base y organización espacial.

4. Etapa realista (9-11 años)
Búsqueda de parecido con la realidad.

5. Etapa pseudonaturalista (11-13 años)
Autocrítica y preocupación por el resultado.

6. Periodo de decisión (13-17 años)
Expresión emocional o visual objetiva.

Las teorías apoyadas por el profesor son las siguientes:

Lowenfeld defiende que cada etapa del desarrollo artístico surge de forma natural y no debe forzarse; el docente debe ofrecer materiales y experiencias sin imponer modelos ni estereotipos.

Piaget relaciona el dibujo con la función simbólica, señalando que el niño representa mentalmente la realidad antes de plasmarla visualmente.

También se apoyan las aportaciones de Lev Vygotsky, quien afirma que el desarrollo gráfico depende del entorno social y la enseñanza guiada, y de Rhoda Kellogg, que sostiene la existencia de patrones universales en los garabatos, evidenciando una evolución común.

En mi opinión, el dibujo infantil no es siempre un proceso creador pleno: el niño no crea emociones nuevas, sino que organiza simbólicamente su experiencia; más que arte adulto, es pensamiento visual. Por ello, evaluar su calidad estética sería un error pedagógico, ya que la función del docente es interpretar y acompañar, no corregir.

3. CONCLUSIÓN 

En resumen, el dibujo infantil es un lenguaje que refleja el desarrollo cognitivo, emocional y social del niño. A través de diferentes etapas evolutivas pasa del movimiento motor al pensamiento simbólico organizado. No dibuja la realidad objetiva, sino su conocimiento interno, por lo que no puede evaluarse con criterios artísticos adultos. Su función educativa es expresiva y formativa, no estética.

Personalmente, esta teoría me parece fundamental para la práctica docente porque cambia completamente la manera de mirar los dibujos del alumnado. Antes tendemos a valorar si está bonito, proporcionado o coloreado correctamente; sin embargo, tras conocer estas etapas entendemos que el dibujo sirve para conocer al niño y su proceso de maduración. Me parece especialmente importante comprender que comparar dibujos entre alumnos puede ser perjudicial, ya que cada uno se encuentra en un momento evolutivo distinto.

En Educación Primaria desarrollaría esta teoría mediante actividades de expresión libre, evitando fichas cerradas o dibujos para copiar. Propondría:

Propongo dibujos basados en mis experiencias personales (mi casa, mi familia, recuerdos, etc.). Utilizo distintos materiales como ceras, témperas, rotuladores o collage y trabajo en formatos grandes para favorecer la expresión corporal. Después explico mi dibujo en una conversación, valorando más el proceso que el resultado final.

El docente actuaría como observador e intérprete, registrando cambios en el trazo, el espacio o el tema representado. La evaluación sería cualitativa, centrada en la evolución del alumno y no en la calidad estética.

Por tanto, enseñar plástica en primaria no consiste en enseñar a dibujar bien, sino en ayudar al niño a pensar, expresarse y conocerse.

4. BIBLIOGRAFÍA 

Barrero, L. (s. f.). Etapas gráfico‑plásticas del niño [Presentación PowerPoint]. Material docente. https://studium25.usal.es/pluginfile.php/749921/mod_resource/content/1/C_05_Etapas%2520gr%C3%A1ficas%2520del%2520ni%C3%B1o.pdf

Kellogg, R. (1979). Análisis de la expresión plástica del preescolar. Madrid: Cincel‑Kapelusz. https://books.google.es/books/about/Análisis_de_la_expresión_plástica_del.html?id=crDbOwAACAAJ&redir_esc=y

Luquet, G. H. (1981). El dibujo infantil. Barcelona: Editorial Médica y Técnica. https://es.scribd.com/document/152543133/Luquet-El-Dibujo-Infantil

Piaget, J. (1955). La formación del símbolo en el niño. Fondo de Cultura Económica. https://bloguamx.byethost10.com/wp-content/uploads/2015/04/formacic2a6n-del-simbolo-piaget.pdf?i=1

Vygotsky, L. S. (1982). La imaginación y el arte en la infancia. Akal. https://maratavarespsictics.pbworks.com/w/file/fetch/74224682/20235083-Vigotsky-La-imaginacion-y-el-arte-en-la-infancia.pdf

Lowenfeld, V. (1961). Desarrollo de la capacidad creadora. Kapelusz. https://iesmarchetti-tuc.infd.edu.ar/sitio/wp-content/uploads/2020/03/El-desarrollo-de-la-capacidad-creadora.pdf